El mundo digital es un océano de datos, una fragmentación de la realidad bajo una lógica binaria. Lo extraordinario del dato no es solo su naturaleza informativa, sino su plasticidad estética. Al ser codificado en un lenguaje específico, el dato se libera de su referente original para devenir pura forma, un material maleable que puede transformarse en imagen, sonido, texto o código. Esta es la gramática universal de la máquina, un nuevo sustrato para la creación.

Así, la tecnología digital no es solo una herramienta, sino un espacio de cultura para nuevos sujetos: los seres-silicón, los cuasi-sujetos electromagnéticos cuya vida consiste en producir formas-datos. Algunas de estas formas están destinadas a los humanos, mientras que otras alimentan a las propias máquinas. Este ecosistema, sin embargo, nació bajo el signo de la productividad y el control, como un sirviente invisible de un sistema obsesionado con la acumulación.

Frente a este panorama, la función del arte es crucial. Se trata de entender estos procesos para diseñar estrategias estéticas de resistencia, utilizando las propias herramientas del sistema para desvelar sus mecanismos de dominio. Aunque la tarea no es solo denunciar, sino explorar la belleza, la distorsión y la poesía inherentes a lo digital.

Una genealogía estética de la técnica

La primera gran ruptura estética la protagonizó la fotografía, donde la imagen dejó de ser un producto exclusivo de la mano para ser generada por la alquimia entre óptica, mecánica y química. Le siguió el cine, que añadió el movimiento y la repetición —el ritmo de la máquina— como bases de un nuevo lenguaje sensorial. La radio y la televisión completaron esta revolución, haciendo de lo sensorial algo inmaterial y un manto estético y seductor que ahora ya podía entrarhasta el interior de los hogares.

Este proceso culmina con la digitalización, que no solo captura lo medible, sino todo el espectro sensible: imágenes, textos, sonidos y también culturas enteras se convierten en datos manipulables. Es la invasión y colonización final de los espacios simbólicos.

Artistas en el frente de lo digital: del glitch al código crítico

Frente a esta maquinaria de seducción másiva y autómatica, los artistas han respondido no solo con la crítica, sino con la apropiación y la manipulación estética de sus herramientas. Una genealogía crítica se ha ido construyendo:

• Rosa Menkman se erige como una teórica y artista fundamental con su práctica en torno al glitch (por ejmplo, PSD Vernacular File, 2010). Para ella, la falla no es un error, sino una “lente” que revela la política inherente a los estándares tecnológicos. Sus imágenes distorsionadas son paisajes visuales de un inconsciente digital, donde el colapso del código deviene en una estética de la ruptura.

• Cory Arcangel realiza un viaje crítico-humorista dentro del software. Su ingeniería inversa de videojuegos, como su célebre modificación de Super Mario Bros (2002) donde solo quedan las nubes, explora la nostalgia y la obsolescencia, cuestionando a esta tecnología dsde su carácter mecánico.

• Harun Farocki sentó las bases críticas para entender las imágenes operativas: aquellas imágenes que no están hechas para ser vistas por humanos, sino para actuar de forma autónoma, guiando drones, analizando patrones de consumo o vigilando territorios. En su serie Eye/Machine (2000-2003), Farocki desvela la estética fría y deshumanizada de los sistemas de visión artificial, mostrando cómo la mirada de la máquina redefine la percepción y el control.

Estos y muchos otros fueron la primera generación ha dado paso a una constelación de artistas que trabajan en los territorios del código, la inteligencia artificial y las bases de datos:

• Refik Anadol utiliza algoritmos de aprendizaje automático para transformar inmensos conjuntos de datos en experiencias inmersivas y arquitectónicas. Su trabajo cuestiona, si bien muy espectacularmente, nuestra percepción del espacio y la memoria, preguntándose qué formas puede tomar un “recuerdo” o la información de un espacio cuando es manipulado por una IA.

• Stephanie Dinkins construye conversaciones profundas con sistemas de IA, creando archivos y narrativas desde perspectivas comunitarias regularmente marginadas en el desarrollo tecnológico. Su proyecto, “Not the Only One” (2018-presente), con la robot Bina48 explora la posibilidad de una IA con conciencia cultural, desafiando la homogeneidad de los datos de entrenamiento.

• Simon Weckert realiza intervenciones simples pero profundamente elocuentes. En su acción más conocida, Google Maps Hacks (2020), 99 teléfonos inteligentes en un carrito de mano lograron engañar a Google Maps, haciendo que la plataforma mostrara un embotellamiento virtual en una calle vacía. Su trabajo expone la fragilidad de las infraestructuras digitales y su materialidad en el mundo físico.

• Hito Steyerl, aunque trabajando en un espectro más amplio de medios, es una pensadora clave. Su exploración de la “baja calidad” como forma de resistencia, la circulación de imágenes en la era digital y la estética de la vigilancia proporciona un marco crítico indispensable (ver su artículo In Defense of the Poor Image. E-flux Journal, no. 10, November, 2009.)

• James Bridle, artista y escritor, destapa las “tecnologías de la negación”: los sistemas oscuros de poder que operan a través de algoritmos. Su trabajo con drones, códigos de reconocimiento facial y narrativas no-humanas revela las pesadillas políticas incrustadas en nuestra infraestructura tecnológica.

• Rafael Lozano-Hemmer despliega una estética de la vigilancia invertida en espacios públicos. Sus instalaciones, que utilizan tecnologías de rastreo biométrico, interfaces personalizadas y robótica, convierten al ciudadano en protagonista de un sistema de control subvertido. En obras como Pulse Park (2008) o Voice Tunnel (2013), la arquitectura se vuelve reactiva, creando un paisaje de sombras y datos donde la participación colectiva expone, de forma poética y tangible, los mecanismos de la vigilancia y la pérdida de la individualidad en la multitud.

La batalla estética en la era de la Inteligencia Artificial

La pregunta ya no es solo qué hacer frente a gigantes como Meta o Google, sino qué se puede crear dentro de sus propios sistemas. La batalla estética ya no se libra únicamente en la imagen final (la vieja imagen), sino en la imagen técnica: el código, el algoritmo, las bases de datos y las ecuaciones que las producen.

¿Dónde está la agencia del artista ante el uso masivo de datos llamado Inteligencia Artificial? ¿En entrenar algoritmos con poéticas disidentes, en corromper datasets para generar belleza inesperada, en usar la herramienta del amo para construir una casa estética nueva?

Puede parecer un enfrentamiento trágico, una batalla perdida. Pero he ahí la labor del artista contemporáneo: enfrentar al dragón digital, sumergirse en las entrañas de la ballena informática y, desde dentro, usar la estética como un arma para revelar que detrás de todo ello, al final, siempre hay una elección humana. Una elección entre el control y la creación abierta. La tarea del arte es hacer visible esa elección y, sobre todo, ofrecer alternativas de cómo concebir y vivir en el mundo

El Museo Kaluz presenta El jardín de Velasco, una exposición que revela el lado más íntimo y científico de José María Velasco, uno de los grandes paisajistas del arte mexicano. El núcleo de la muestra es su archivo personal, adquirido recientemente y compuesto por más de 2,500 piezas, muchas de ellas inéditas para el público.

La exposición reúne 400 obras provenientes de colecciones públicas y privadas, entre ellas libretas de bocetos botánicos, acuarelas, publicaciones, herramientas de trabajo y objetos personales que muestran la faceta del artista como estudioso de la flora del Valle de México. Destacan siete cuadernos digitalizados que permiten recorrer su proceso creativo con un nivel de detalle inédito.

Además de pinturas emblemáticas y documentos originales, la muestra incluye espacios interactivos que permiten explorar las especies que investigó y su vínculo con el paisaje nacional. El jardín de Velasco permanecerá abierta hasta el 25 de mayo.

Un tribunal de Londres condenó a Larry Fraser, de 49 años, a 13 meses de prisión por el robo de Niña con globo, una de las obras más reconocidas de Banksy. El hurto ocurrió en 2024, cuando Fraser irrumpió en una galería de la ciudad utilizando un martillo para forzar la entrada y sustraer la pieza, valuada en 270 mil libras.

Las cámaras de vigilancia registraron su fuga cargando la obra hacia una camioneta estacionada a pocos metros, imágenes que permitieron a la policía localizarlo y arrestarlo en menos de 48 horas. Dos días después, la pieza fue recuperada en perfecto estado, evitando un daño mayor al patrimonio cultural contemporáneo.

Creada originalmente en 2002 en el puente de Waterloo, Niña con globo se ha convertido en un símbolo del artista británico. Su fama se amplificó en 2018, cuando una versión de la obra se autodestruyó parcialmente durante una subasta internacional.

Del 21 al 30 de noviembre, la Ciudad de México se llena de arte, diseño y naturaleza. En Lucerna 34, el Plant Fest celebra el amor por las plantas con más de 50 expositores, talleres y accesorios para quienes disfrutan cultivar belleza verde.

En la Casa Versalles 113, la GAMA FAIR se une a Jimena Duval en una feria que impulsa a nuevos coleccionistas a descubrir piezas únicas y ediciones limitadas. Mientras tanto, EXIT La Librería presenta la charla El corrido también es parte del paisaje, una conversación sobre el valor del corrido en la identidad mexicana.

El arte contemporáneo también se hace presente: en el Ágora MUAC, Barniz de Ajo transforma la estética en reflexión, y en el MUAC, la artista Mercedes Nasta presenta Honorata, una pieza sonora que invita a escuchar el silencio interior. Un cierre de mes vibrante y plural.

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta ¿Cómo salimos?, la primera gran exposición en América dedicada a la artista Teresa Margolles, una de las voces más poderosas del arte contemporáneo latinoamericano. La muestra reúne 23 obras que recorren dos décadas de creación marcada por la violencia, el dolor y la memoria.

A través de materiales cargados de significado —vidrios rotos, agua de morgue, escombros—, Margolles transforma el duelo en lenguaje visual. Entre las piezas destaca una instalación con 32 ventanales procedentes de locales abandonados en distintas ciudades del país, símbolo del desamparo nacional.

Médica forense de formación, Margolles ha representado a México en la Bienal de Venecia y expuesto en instituciones como el MoMA y la Tate Modern. Su obra, precisa y brutal, no busca consolar, sino evidenciar. En sus palabras: “El arte no tiene magias, solo muestra lo que somos y lo que duele.”

Las autoridades de Siria han iniciado una investigación por el robo de antigüedades de valor incalculable en el Museo Nacional de Damasco, donde fueron sustraídas varias estatuillas y artefactos históricos. Hasta el momento no se han producido detenciones, mientras un comité de juristas y arqueólogos trabaja en el inventario de las piezas desaparecidas.

El Ministerio de Cultura sirio informó que la investigación busca determinar el alcance del saqueo y fortalecer las medidas de protección del recinto. El titular de la cartera, Muhamad Yasín al Salé, denunció que el museo habría sido objeto de saqueos planificados durante el antiguo régimen, en complicidad con redes de contrabando y tráfico de arte.

Las piezas robadas, que datan de la época clásica, representan una pérdida cultural incalculable para el patrimonio sirio. El gobierno anunció que coordina con el Ministerio del Interior para identificar y detener a los responsables.

El Museo Nacional del Prado vuelve a exhibir el Ecce Homo de Caravaggio, una de las obras más esperadas por el público y considerada uno de los mayores descubrimientos recientes en la historia del arte. El lienzo, pintado entre 1605 y 1609, podrá verse en la sala 7 del edificio Villanueva hasta abril de 2027, gracias al préstamo de su actual propietario.

La pintura, atribuida de forma unánime al maestro italiano tras rigurosos estudios técnicos y documentales, perteneció a la colección de Felipe IV y forma parte del reducido conjunto de apenas 60 obras conocidas de Caravaggio.

Restaurado por el especialista Andrea Cipriani, el cuadro recobró su intensidad lumínica y emocional. Su reaparición en 2021, tras haber sido confundido con una obra menor en una subasta madrileña, marcó un hito en el mercado y la investigación artística. Ahora, el Prado lo devuelve a su lugar natural: ante la mirada del público.

El Museo Franz Mayer presenta El humo del espejo, una exposición que celebra el trabajo del diseñador Andrés Gutiérrez, fundador de A-G Studio. Inspirada en Tezcatlipoca, deidad mexica de la luz y la oscuridad, la muestra reúne 25 piezas inéditas que condensan quince años de búsqueda estética, simbólica y material.

Madera de encino, fibra de vidrio y acero se entrelazan en un lenguaje que conecta lo ancestral con lo contemporáneo. En sus lámparas, mesas y sillas, Gutiérrez transforma lo cotidiano en ritual, proponiendo una lectura del diseño como espejo de identidad. “El diseño es una forma de entender las sombras y hallar luz en ellas”, afirma el creador.

Hasta el 18 de noviembre, El humo del espejo invita a reflexionar sobre la dualidad entre arte y diseño, y sobre cómo el pasado sigue modelando la vanguardia del diseño coleccionable mexicano.

La Galería de Arte Mexicano (GAM) celebra su 90 aniversario con la exposición Vasos comunicantes, una muestra que reúne más de 60 obras de 49 artistas de distintas generaciones. Inspirada en la pieza homónima de Diego Rivera, creada en diálogo con André Breton y León Trotsky, la exhibición abre el 13 de noviembre y permanecerá hasta enero de 2026.

La xilografía original de Rivera —hallada hace pocos años entre documentos del archivo de la galería— sirve como punto de partida para explorar los vínculos entre arte, política y sueño, retomando la noción de conexión entre mundos que inspiró al surrealismo.

El recorrido propone una experiencia libre, sin cédulas ni explicaciones, donde cada visitante interpreta a su manera las piezas de artistas como Rufino Tamayo, Francisco Toledo, Pedro Reyes y Gunther Gerzso. Una muestra que celebra la memoria viva de la GAM y su papel esencial en la historia del arte moderno mexicano.

Durante la visita oficial del presidente Emmanuel Macron a México, se anunció que Francia será el país invitado de honor en la edición 54 del Festival Internacional Cervantino (FIC), que se celebrará en octubre de 2026. El anuncio simboliza un nuevo impulso a la cooperación cultural entre ambas naciones.

En el encuentro bilateral encabezado por Claudia Sheinbaum y Macron, las ministras de Cultura Claudia Curiel de Icaza y Rachida Dati firmaron acuerdos que fortalecen el intercambio artístico y cinematográfico, así como la preservación del patrimonio compartido. Entre los proyectos destaca la exhibición recíproca del Códice Azcatitlán y el Códice Boturini, piezas fundamentales de la memoria histórica mexicana.

Curiel de Icaza subrayó que la política cultural actual “se basa en derechos” y busca visibilizar las voces de las comunidades indígenas. Con este anuncio, el Cervantino 2026 se perfila como un escenario de diálogo y creación entre México y Francia.