La literatura gastronómica ha dejado de ser un mero recetario para convertirse en un espejo de identidad cultural. Los relatos que vinculan cocina y memoria revelan cómo el acto de comer es también un gesto de narrar. Leer sobre sabores es recorrer historias familiares, migraciones y resistencias, donde los ingredientes son tan importantes como las palabras que los describen.

Este cruce entre letras y fogones muestra cómo la comida es un lenguaje que expresa pertenencia y también poder. En la literatura, el plato puede simbolizar clase social, exilio o tradición; lo mismo sucede en la vida cotidiana, donde la mesa organiza jerarquías y nostalgias. Así, el género culinario se sitúa en la frontera entre lo íntimo y lo colectivo, en un espacio donde lo personal se vuelve político.

La narrativa gastronómica invita a reflexionar sobre qué comemos, cómo lo contamos y por qué importa. En un mundo marcado por la globalización alimentaria, recuperar historias locales y afectivas en torno a la cocina es un acto de resistencia. Leemos lo que somos y comemos lo que recordamos; en esa doble práctica se construyen identidades que van más allá del paladar y se inscriben en la memoria social.

El Museo Franz Mayer inauguró Japón: Del mito al manga, una exposición que reúne más de 150 piezas que recorren la cultura nipona desde el arte clásico hasta el manga y la animación contemporánea. Entre ellas destaca La gran ola de Kanagawa de Hokusai, además de kimonos, netsukes, juguetes y objetos que inspiran fenómenos globales como Pokémon y Studio Ghibli.

La muestra, organizada en cuatro núcleos —Cielo, Mar, Bosque y Ciudad—, invita a explorar la riqueza simbólica y estética de Japón sin orden cronológico, mezclando mitos y tradiciones con expresiones de cultura pop. Los Ternurines, adorables figuras de animales humanizados, son un ejemplo de cómo lo japonés ha influido en la vida cotidiana y en la cultura popular mexicana.

Además de la exposición, el museo ofrece talleres participativos, círculos de lectura y experiencias inmersivas, desde noches temáticas hasta la creación de mangas propios. Un viaje cultural que busca tender puentes entre historia, arte y modernidad japonesa en pleno corazón de la CDMX.

La novela Almendra, de la escritora surcoreana Won-Pyung Sohn, se ha consolidado como un fenómeno global desde su publicación en 2017. Con traducciones en múltiples idiomas, ha conquistado a lectores al plantear un dilema tan simple como universal: la dificultad de reconocer y expresar emociones en una sociedad cada vez más contradictoria.

El protagonista, Yunjae, vive con alexitimia, una condición que le impide identificar sentimientos. Tras una tragedia familiar, debe enfrentar la soledad y encargarse de una librería, donde entabla una compleja relación con Gon, un adolescente marcado por la violencia. Ambos, incomprendidos por su entorno, representan los márgenes emocionales de la sociedad moderna.

El éxito de Almendra radica en su capacidad de narrar desde la diferencia, explorando temas como la amistad, la empatía, la violencia y la identidad. Su fuerza reside en ofrecer al lector un espejo íntimo donde reconocer la vulnerabilidad humana y la urgencia de conectar con otros.

La novela Cadáver exquisito, de la argentina Agustina Bazterrica, se ha convertido en una de las obras más perturbadoras de la literatura contemporánea. Publicada en 2017, plantea un mundo en el que un virus elimina a los animales, obligando a los seres humanos a consumir carne humana bajo la legitimación de gobiernos y corporaciones. El relato se adentra en un sistema de mataderos de personas, donde el protagonista sobrevive trabajando en un engranaje tan cruel como cotidiano.

La prosa de Bazterrica es sádica y visceral, cargada de escenas que estremecen por su crudeza, pero que al mismo tiempo funcionan como un espejo de nuestra propia industria alimentaria y sus métodos cuestionables. La autora despliega una crítica feroz a la deshumanización, retratando un escenario donde el cuerpo humano se convierte en producto y la ética se diluye en la lógica del consumo.

No es una obra para todos los públicos, pues su violencia explícita desafía sensibilidades. Sin embargo, precisamente en esa incomodidad reside su potencia: forzar al lector a reflexionar sobre la normalización de la crueldad y la indiferencia que alimenta nuestros hábitos. Un libro que agita conciencias y recuerda que la verdadera distopía quizá no esté tan lejos de la ficción.

El Museo de Arte Moderno será sede de la presentación de Vlady. Tríptico Trotskiano: el héroe trágico del siglo XX, obra que analiza en profundidad el mural que el artista ruso-mexicano dedicó a León Trotski. El libro ofrece una lectura crítica sobre la construcción visual de la figura del líder revolucionario, integrando contexto histórico y apreciación estética.

La publicación explora los elementos simbólicos y narrativos del tríptico, concebido como una reflexión sobre la lucha política, el exilio y la memoria del siglo XX. Además, aborda la trayectoria de Vlady y su visión artística, marcada por la influencia de movimientos vanguardistas y su compromiso con las ideas libertarias.

Con esta presentación, el Museo de Arte Moderno reafirma su papel en la difusión de obras que dialogan entre arte y política. Una oportunidad para revisitar el legado de Trotski y su representación en la pintura mexicana contemporánea.

El día que escapé del gueto, de John Carr, narra la historia real de un joven judío que, con apenas trece años, logró huir del gueto de Budapest durante la ocupación nazi. Entre falsos documentos, identidades inventadas y una red de aliados improbables, la obra reconstruye un relato de supervivencia marcado por el ingenio y el riesgo constante.

Carr combina la precisión de la memoria con la tensión de una novela histórica, ofreciendo un retrato humano de la resiliencia en tiempos extremos. El libro ha recibido el reconocimiento de Ken Follett, quien lo considera una obra imprescindible para entender el impacto personal de la Segunda Guerra Mundial.

Más allá del valor testimonial, la obra plantea preguntas sobre el azar, el coraje y las decisiones que salvan vidas. Un recordatorio de que, incluso en los escenarios más oscuros, siempre existe la posibilidad de escapar y resistir.

Alston Anderson, nacido en Panamá en 1924, fue considerado una promesa de la literatura afroamericana gracias a Galán, un conjunto de relatos publicado en 1959. Tras el fracaso de su única novela, All God’s Children, abandonó la escritura y desapareció durante más de tres décadas, hasta su muerte en 2008 en Manhattan.

Galán, rescatado ahora por la editorial Trotalibros, reúne quince relatos interconectados por la familia Jessup y ambientados en el sur de Estados Unidos. Con una prosa directa y cargada de oralidad, Anderson retrata la vida en los márgenes, marcada por el racismo, la violencia y la resiliencia cotidiana. La traducción de Enrique Maldonado Roldán preserva la riqueza de la jerga afroamericana original.

Entre cuentos sórdidos y luminosos, destaca Días de internado en Carolina del Norte, una delicada historia de amistad juvenil. Su obra, como su vida, deja huecos que invitan a imaginar, confirmando que a veces el silencio también cuenta historias.

Isabel Allende y María Dueñas presentan sus nuevas obras ambientadas en periodos históricos, apostando por relatos de gran carga emocional y detalle narrativo. Allende regresa con El Viento Conoce mi Nombre, explorando la memoria y la migración, mientras Dueñas publica Sira, continuación de su éxito El Tiempo entre Costuras.

Ambas escritoras combinan tramas íntimas con contextos políticos y sociales que moldean a sus protagonistas, creando retratos de mujeres que desafían su tiempo. Las novelas destacan por su rigor documental y su capacidad de tejer historias que conectan con lectores de distintas generaciones.

En un mercado literario saturado, la coincidencia de estos lanzamientos refuerza el interés por la novela histórica como vehículo de reflexión y entretenimiento. Un recordatorio de que, a través de la ficción, se pueden iluminar las sombras y luces de nuestro pasado colectivo.

Este otoño llegarán a los cines dos películas basadas en obras firmadas por Richard Bachman, seudónimo que Stephen King utilizó en los años ochenta para publicar historias más oscuras y violentas. Entre ellas destacan The Long Walk y Throttle, que serán adaptadas con enfoques distintos, pero manteniendo la tensión característica del autor.

Bachman fue creado como una identidad alternativa para explorar temáticas menos comerciales, aunque con el tiempo se descubrió su verdadera autoría. Estas adaptaciones buscan rescatar esa faceta más sombría de King, con narrativas intensas que combinan crítica social y violencia psicológica.

El doble estreno refuerza el interés del cine por la literatura de género y por reinterpretar clásicos ocultos. Un recordatorio de que, incluso bajo otro nombre, la voz de King sigue marcando el pulso del terror y el suspenso contemporáneo.

El Espacio Cultural San Lázaro presentó Arritmias, la más reciente obra de la escritora Angelina Muñiz Huberman, figura destacada de la literatura mexicana contemporánea. El evento reunió a lectores, académicos y críticos que dialogaron sobre la profundidad y la vigencia de su escritura, marcada por la memoria, la identidad y la experimentación narrativa.

Durante la presentación, se resaltó la capacidad de Muñiz Huberman para integrar referencias históricas, filosóficas y poéticas en una prosa que invita a la reflexión. Arritmias ofrece relatos que, desde distintas voces, exploran la fragilidad humana y los ritmos desiguales de la existencia, confirmando la solidez de su trayectoria.

Más que un lanzamiento editorial, el acto fue un reconocimiento a una autora que ha enriquecido el panorama literario nacional. Su obra recuerda que la literatura sigue siendo un espacio para interrogar el tiempo, la memoria y la condición humana.